Edvard Munch , (născut la 12 decembrie 1863, Löten, Norvegia - decedat la 23 ianuarie 1944, Ekely, lângă Oslo), pictor și tipograf norvegian al cărui intens evocator tratarea temelor psihologice construite pe unele dintre principiile principale ale simbolismului de la sfârșitul secolului al XIX-lea și au influențat foarte mult limba germană Expresionism la începutul secolului XX. Pictura sa Țipătul , sau Plansul (1893), poate fi văzut ca un simbol al angoasei spirituale moderne.
Munch s-a născut într-o familie de clasă mijlocie, afectată de probleme de sănătate. Mama sa a murit la vârsta de cinci ani, sora lui cea mare la vârsta de 14 ani, ambii cu tuberculoză; Munch a capturat în cele din urmă ultimul eveniment în prima sa capodoperă, Copilul bolnav (1885–86). Tatăl și fratele lui Munch au murit, de asemenea, când era încă tânăr, iar o altă soră s-a dezvoltat boală mintală . Boala, nebunia și moartea, așa cum a spus el, au fost îngerii negri care mi-au vegheat leagănul și m-au însoțit toată viața.
Munch a arătat un fler de desen la o vârstă fragedă, dar a primit puțină pregătire formală. Un factor important în dezvoltarea sa artistică a fost Kristiania Bohème, un cerc de scriitori și artiști din Kristiania, așa cum se numea atunci Oslo. Membrii săi credeau în dragostea liberă și, în general, se opuneau minții burgheze. Unul dintre pictorii mai în vârstă din cerc, Christian Krohg, i-a dat lui Munch instrucțiuni și încurajări.
Munch l-a depășit curând pe naturalistul predominant estetic în Kristiania, parțial ca urmare a asimilării impresionismului francez după o călătorie la Paris în 1889 și a contactului său din aproximativ 1890 cu lucrarea pictorilor post-impresionisti Paul Gauguin și Henri din Toulouse-Lautrec . În unele dintre picturile sale din această perioadă, el a adoptat apăsările deschise ale impresioniștilor, dar utilizarea lui Gauguin a liniei de delimitare a fost de a dovedi mai mult placut pentru el, așa cum a fost ambiția artiștilor sintetisti de a trece dincolo de descrierea naturii externe și de a da formă unei viziuni interioare. Prietenul său, poetul danez Emanuel Goldstein, l-a introdus în această perioadă în poezia simbolistă decadentă franceză, care l-a ajutat să formuleze o nouă filozofie a artei, impregnată de un panteist. proiecta de sexualitate.
Stilul profund original al lui Munch s-a cristalizat în jurul anului 1892. Utilizarea curgătoare și sinuoasă a liniei în noile sale picturi a fost similară cu cea a Art Nouveauului contemporan, dar Munch a folosit linia nu ca decor, ci ca vehicul pentru revelație psihologică profundă. Neînțelegerea revoltată a operei sale de către criticii norvegieni a fost repetată de omologii lor din Berlin, când Munch a expus acolo un mare număr de tablouri în 1892 la invitația Uniunii Artiștilor din Berlin. Emoția violentă și imaginile neconvenționale ale picturilor sale, în special reprezentările lor îndrăznețe și sincere ale sexualității, au creat o controversă amară. Criticii au fost, de asemenea, jigniți de tehnica sa inovatoare, care pentru majoritatea părea neterminată. Cu toate acestea, scandalul i-a ajutat să-i facă cunoscut numele în toată Germania și de acolo reputația sa s-a răspândit mai departe. Munch a locuit în principal la Berlin în 1892–95 și apoi la Paris în 1896–97 și a continuat să se deplaseze pe scară largă până când s-a stabilit în Norvegia în 1910.
În centrul realizării lui Munch se află seria sa de picturi despre dragoste și moarte. Nucleul său original a fost format din șase imagini expuse în 1893, iar seria a crescut la 22 de lucrări până când a fost expusă pentru prima dată sub titlu Frisul vieții la Secesiunea de la Berlin din 1902. Munch a rearanjat în mod constant aceste tablouri și, dacă ar fi trebuit să fie vândut, ar face o altă versiune a acestuia. Astfel, în multe cazuri există mai multe versiuni pictate și tipărituri bazate pe aceeași imagine. desi Friză se bazează profund pe experiența personală, temele sale sunt universale: nu este vorba despre bărbați sau femei, ci despre bărbat și femeie în general și despre experiența umană a marilor forțe elementare ale naturii. Văzut în ordine, un implicit narațiunea apare din trezirea, înflorirea și ofilirea iubirii, urmată de disperare și moarte.
Trezirea iubirii este arătată în Vocea (1893), unde într-o noapte de vară o fată care stă printre copaci pare să fie convocată mai mult de o voce interioară decât de orice sunete de pe o barcă pe mare în spatele ei. Compozițional, aceasta este una dintre mai multe picturi din Friză în care orizontala înfășurată a liniei de coastă este contrapusă cu verticalele copacilor, figurilor sau reflexia asemănătoare unui stâlp peste marea soarelui sau a lunii. Înflorirea dragostei este afișată în Sarutul (1892), în care un bărbat și o femeie sunt închiși într-o îmbrățișare tandră și pasională, corpurile lor fuzionând într-o singură formă ondulantă și fețele lor topindu-se atât de complet unul de celălalt încât nici unul nu păstrează nici o trăsătură individuală. O imagine deosebit de puternică a predării sau transcendenței individualității este Madonna (1894–95), care arată o femeie goală cu capul aruncat înapoi în extaz, cu ochii închiși și cu o formă roșie în formă de halou deasupra părului ei negru care curge. Acest lucru poate fi înțeles ca momentul concepției, dar există mai mult decât un indiciu de moarte pe chipul frumos al femeii. În arta lui Munch, femeia este o altă persoană cu care unirea este dorită cu disperare, totuși temută, deoarece amenință distrugerea eului creator.
unde este venus de milo
Sarutul , gravură pe lemn colorată de Edvard Munch, 1902; în Victoria and Albert Museum, Londra. Victoria and Albert Museum, Londra; fotografie, John Webb
În alte lucrări care formează Friză , Munch a explorat tema suferinței cauzate de dragoste, așa cum se vede în titluri precum Melancolie (c. 1892–93), Gelozie (1894-95) și Cenusa (1894). Dacă izolarea și singurătatea, întotdeauna prezente în opera sa, sunt accentuate în mod special în aceste imagini, ele sunt la fel de evidente în Moartea în camera bolnavului (1893–95), una dintre numeroasele sale picturi despre moarte. Aici accentul nu se pune pe copilul pe moarte, care nici măcar nu este vizibil, ci pe cei vii, fiecare înfășurat în propria experiență a durerii și incapabil să comunice sau să-și ofere reciproc consolare. Puterea imaginii este sporită de spațiul închis claustrofob și de perspectiva grăbită a podelei.
Același tip de perspectivă dramatică este folosit în Țipătul , care este cea mai faimoasă lucrare a lui Munch. Inspirat de o experiență halucinantă în care Munch a simțit și a auzit un țipăt în întreaga natură, înfățișează o creatură afectată de panică, asemănătoare corpului și care amintește de spermă sau făt, ale căror contururi sunt ecouate în liniile învolburate ale cerului roșu-sânge. În această pictură, anxietatea este ridicată la un nivel cosmic, în ultimă instanță legată de rumegările de la moarte și de golul de sens care urmau să fie esențiale pentru existențialism. (Cele mai vechi două versiuni ale Țipătul data din 1893; Munch a creat o altă versiune în 1895 și a finalizat o a patra probabilă în 1910.) Arta sa a fost, de asemenea, evidentă afinități cu poezia și drama din vremea sa și se pot face comparații interesante cu opera dramaturgilor Henrik Ibsen și August Strindberg , ambele portrete ale cărora a pictat.
Edvard Munch: Țipătul Țipătul , tempera și cazeină pe carton de Edvard Munch, 1893; în National Gallery, Oslo. Galeria Națională, Oslo, Norvegia / Bridgeman Art Library, Londra / SuperStock
Producția masivă de artă grafică a lui Munch - constând în gravuri, puncte uscate, litografii și gravuri pe lemn - a început în 1894. Principala atracție pentru el a tipografiei a fost aceea că i-a permis să comunice mesajul său unui număr mult mai mare de oameni, dar și-a permis el oportunități interesante pentru experimentare. Lipsa sa de pregătire formală în orice mediu grafic a fost, fără îndoială, un factor în împingerea lui către tehnici extrem de inovatoare. La fel ca mulți dintre contemporanii săi, a fost influențat de tradiția japoneză în utilizarea gravurii pe lemn, dar a simplificat radical procesul, de exemplu, imprimând dintr-un singur bloc de lemn tăiat în mai multe bucăți mici. Folosirea de către Munch a boabelor reale ale lemnului în scopuri expresive s-a dovedit un experiment deosebit de reușit și a influențat foarte mult artiștii de mai târziu. De asemenea, el a combinat frecvent diferite medii sau a suprapus un mediu peste altul. Imprimeurile lui Munch seamănă foarte mult cu picturile sale, atât în stil, cât și subiect.
Copyright © Toate Drepturile Rezervate | asayamind.com